Presentación

Este sitio es diseñado como guia virtual del curso Historia del Diseño II, del programa de diseño industrial de la Universidad Catolica Popular del Risaralda (Pereira, Colombia) con el objetivo de generar una herramienta didactica para los estudiantes del curso y a la vez crear un punto de encuentro para la publicación de escritos y trabajos académicos a los que pueda acceder el publico interesado. Por favor no dejen de hacer sus comentarios y sugerencias.

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martes, 8 de julio de 2008

Plan de curso

OBJETIVO GENERAL DEL CURSO
Analizar e interpretar el surgimiento y desarrollo del diseño industrial a través del estudio y analisis de los diferentes periodos históricos desde los antecedentes y comienzos de la revolución Industrial hasta el diseño hoy, con una posición crítica frente a los factores estéticos, artísticos, sociales, económicos y tecnológicos que han sido parte del desarrollo de la cultura del diseño Industrial.

JUSTIFICACIÓN
La revolución industrial, trajo consigo un acelerado desarrollo económico, tecnológico, productivo y social durante el siglo XX. La invención y empleo de la máquina dio pie a la mecanización en la producción de objetos y bienes de consumo, permitiendo productos para las masas. El diseño industrial que se formaliza en el primer cuarto del siglo XX, surge desde la preocupación por satisfacer las necesidades estéticas, comunicativas y prácticas en los productos de consumo.
Es importante que el diseñador industrial tenga una consciencia histórica de su profesión y defina en ella las categorías estéticas, prácticas y comunicativas, que le permita desde una posición reflexiva y crítica interpretar la cultura material del siglo XX, donde pueda establecer paralelismos que cualifiquen el diseño en la realidad actual y alimente los procesos proyectuales en el ejercicio académico y profesional en un contexto determinado.

CONTENIDO SINTETICO DEL CURSO
Antecedentes, desarrollo y evolución del diseño industrial en la historia contemporanea.

TEMAS
UNIDAD 1 REVOLUCIÓN INDUSTRIAL
Antecedentes de la Revolución Industrial
Revolución Industrial

UNIDAD 2 ANTECEDENTES DEL DISEÑO
Arts And Craft 1857
Art Nouveau 1890

UNIDAD 3 SURGIMIENTO Y DESARROLLO DEL DISEÑO ALEMÁN
AEG -Allgemeine Elektricitaets Gesells Chaft. (Sociedad General De Elecctricidad) 1905
Deutscher Werkbundd 1912
(Asociación Alemana Artesanal)
La Bauhaus (Alemania) 1919-1933
HFG Hochshule Fur Gestaltung 1955

UNIDAD 4 SURGIMIENTO Y DESARROLLO DEL DISEÑO INDUSTRIAL EN EE.UU.
Modelo T
Art Deco (1920)
Styling (1923)
Escuela De Chicago 1937

UNIDAD 5 POSTMODERNISMO
Arte conceptual
Pop Art y cultura de masas
Archizoom
Alchimia
Memphis
higt tech
Minimalismo

UNIDAD 6 Diseño Latinoamericano Surgimiento y Desarrollo
Brazil
Argentina
Chile
Mexico
Colombia
Cuba

Publicaciones

Este espacio está dedicado a la publicación mensual de los mejores desarrollos de lectura, talleres y fotografías hechas por los estudiantes de historia del diseño II.

Cambios y evoluciones del arte desde el barroco hasta el ecoart.

Barroco, Neoclasicismo y Rococó: Las reacciones del arte en acciones históricas

Tema abordado por: Luis Alfredo Cardona, Cristian Bonilla y Maria Alejandra Ardila.

"La belleza artística no consiste en representar una cosa bella, sino en la bella representación de una cosa." Kant

Cada época tiene una visión diferente de cómo es el mundo y su progreso. También responden de una manera menos política a lo que ocurre con sus entidades dictatoriales y sociedad transformada. Hasta existen movimientos artísticos que sugieren un enamoramiento de un tiempo pasado, o la contraparte de lo que ocurrió anteriormente. Sólo, que el arte se transforma a la par con el hombre, y allí queda plasmada la visión que tiene un mundo sobre sí mismo. “El arte es un fenómeno cultural notablemente complejo y existen grados variables de pericia y de especialización en nuestro trato con él que conectan con nuestra aportación de razones y nuestra especificación de diferencias reales”, B.R. Tilghman.

Ejemplos de ello se encuentran en el Barroco, Neoclasicismo y Rococó, los tres, movimientos culturales que surgieron seguidamente en periodos históricos y donde surgieron expresiones de juicios estéticos, que definieron a pesar de su complejidad, lo que se llama ‘la cultura de una época’, según Wittgenstein.

El Barroco, fue el nombre al que muchos críticos del arte llamaron al estilo artístico que abarcó desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Fue considerado como el final decadente del renacimiento, sin embargo la evolución de este arte se dio en el marco histórico de descubrimientos del cuerpo humano, y científicos, como las investigaciones realizadas por Galileo. La demostración de que la Tierra no era el centro del universo coincide con la justificación astronómica que presentan muchas pinturas de la época. La iglesia católica y la contrarreforma, contribuyeron a la formación de un arte emocional, exaltado, dramático y naturalista. En el ambiente político con las monarquías de Francia y España, se promocionaron las obras de grandiosidad y esplendor que reflejaron la majestuosidad de Luis XIV.

El estilo Rococó fue considerado la culminación del Barroco, en los reinados de Luis XV y Luis XVI (1730-1760). Fue un arte que surgió como reacción al barroco clásico, caracterizado por la opulencia, la elegancia, los colores vivos que contrastan con la oscuridad, las sombras y la difuminación. En esta época hubo un desentendimiento por las cuestiones religiosas, se presentó la experiencia por lo mundano y la superficialidad de la vida aristócrata.

El Neoclasicismo que se desarrolló entre 1750 hasta 1800, se inspiró en las formas grecorromanas, no tanto como resurgimiento, sino como relación a hechos pasados en su propio tiempo, por ejemplo, cuando las repúblicas de Francia y en América del Norte se establecieron, adoptaron este estilo que relacionaba la democracia con la antigua Grecia y la República romana. Este estilo tuvo su punto de referencia en la excavación de las ruinas de las ciudades romanas de Herculano y de Pompeya y buscó imitar la figura humana concebida en Grecia.

Los tres estilos que se encontraron con respuestas de la sociedad, el Barroco como incitador del Neoclasicismo y el Rococó, y los tres como expresiones históricas, burlas, anhelos y ostentaciones, son hoy objetos de referencias del comportamiento humano. El arte representado en la arquitectura, en la pintura y la escultura principalmente, son mensajeros en el tiempo que cuentan el comportamiento social en una época determinada.

El arte en estos tres tiempos históricos representa la diferencia que puede expresar el pensamiento humano, la transformación de la apreciación estética, siendo cada uno de los juicios emitidos, juzgados desde su concepción, y discutidos de manera posterior su interpretación.

Simbolismo, Futurismo y Pos impresionismo.

Por: Alejandro Garcia y Daniela Marín

El arte, su historia, sus producciones y todo con lo que se relaciona, se ha visto influenciado por los cambios que se han registrado en las diferentes épocas, cambios de orden social, político, económico, cultural. Todos estos cambios revolucionarios afectaron los revolcones artísticos que influencian las corrientes de hoy.

Las transformaciones que se dieron en el siglo XX, fueron las que concibieron movimientos como el simbolismo, el futurismo y el pos impresionismo, caracterizados de forma general por un estilismo marcado, un manejo del color mucho más técnico y la impresión del autor plasmado en la obra.

El simbolismo, como su nombre lo indica es de carácter simbólico, surge como rechazo a la aglomeración, actividad industrial, degradación y caos. Se expresa atreves del color, representa una exteriorización de las emociones del autor, las pinturas son de alto contenido poético. Su importancia radico en la recuperación o restauración del significado del arte. Fue el precursor del modernismo y sirvió de insumo para el primer estilo en diseño, el Art Noveau.

El pos impresionismo era de mayor carácter, su contenido vario en cuanto a la temática realista, plasmaban temas cotidianos pero subjetivos, no tan fieles a la naturaleza, con mayor emoción expresión y dinamismo. La paleta de colores era de tonos más vivos y de aplicación más compacta. Era una corriente defensora de la cultura popular. Se convirtió en una mezcla de arte tradicional con el comic, el grafiti, imágenes publicitarias o de medios de comunicación, haciéndolo más accesible y popular, aunque con una alta carga de dramatismo.

El futurismo por su parte dejo a un lado la figura humana y llevo al protagonismo a los edificios, la cuidad que se proyecta y las maquinas. Fue iniciado por arquitectos. Era un arte clasicista orientado al futuro. Obras llenas de color, de carácter multisensorial con entornos demarcados, espacios tiempos y sonidos.

En conclusión todas estas corrientes, como lo planteaba Fry aunque puedan parecer muy diferentes tienes en común ciertos orígenes y características, y todas son gestoras de nuevos movimientos y disciplinas que revolucionan e innovan el arte.

EXPRESIONISMO-FAUVISMO-CUBISMO

Por: Carolina Muñoz, Mauricio Montes y Carlos Fabio Montoya

Nunca antes del siglo XX el arte cambiaba a una velocidad tan rápida; la revolución industrial trajo consigo cambios productivos, económicos, que se vieron reflejados en el arte, estos cambios abruptos, los cuales no se vivían antes de la revolución; a partir de esta revolución y del renacimiento aparecieron muchos “ISMOS” y cada uno de estos es suceso del anterior o por el contrario lo rechaza.

Algunos de los movimientos que se produjeron después de la revolución se pondrán en disputa a continuación. El EXPRESIONISMO se basaba en obras post-impresionistas se basa en expresar en cada obra los sentimientos del autor, intentaban plasmar la cara oculta de la modernización, el miedo de la humanidad del mundo en constante evolución.

El IMPRESIONISMO por el contrario se basaba en expresar lo que pasaba en el exterior en el mundo, con luces naturales, el viento, el atardecer etc.

El CUBISMO deja de ser un ismos mas, es mas fundamentado, sus obras son figuras geométricas, se dividió en dos partes, el Analítico y el Sintético, el analítico se basa en que el autor tiene que organizar la figura en la obra; el sintético el espectador va al punto directo de la obra.

El CONSRUCIVISMO en este movimiento las pinturas son muy influenciadas por el cubismo, pero solo en las técnicas ya que utilizan diferentes materiales, se basa en tres principios los cuales son la Arquitectura, Materiales y la Construcción, utilizan cálculos exactos para hacer pinturas.

El FAUVISMO se presenta la necesidad de sintetizar la obra, se comienza a modificar los colores, a lo contrario del cubismo que se presenta la necesidad de geometrizar la obra, se basa en expresión, dar movilidad con las formas primarias, parecen pintura de niños, nace como necesidad de burlarse de los demás “ISMOS”.

Constructivismo, Neoplasticismo y Neodadaismo

Por: Jeffry Osorio, Manuela Restrepo, Sindy Johana Reyes

¿Qué es el constructivismo? El constructivismo fue un movimiento artístico que nació en Rusia, originado por las esculturas de influencia cubista de Vladimir Tatlin. Este movimiento empleando materias y formas puras, cartón, vidrio, metal, con una práctica formal y ordenando los elementos para realizar maquetas pertenecientes a la nueva vanguardia rusa. Los tres principios del constructivismo son la arquitectura, la textura y la construcción.

En el constructivismo las obras soy muy geométricas y tienen medias especificadas que son distribuidas en el plano. En esta vanguardia los objeto son tridimensionales como estructuras y maquetas. Estoy se relaciona mucho con el neoplasticismo por las líneas y las formas geométricas.

¿Qué es el neoplasticismo? El Neoplasticismo es una de las formas que toma la abstracción en las primeras décadas del siglo XX. Se basa en una concepción analítica de la pintura, en la búsqueda de un arte que trascienda la realidad externa, material, reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.

En esta vanguardia se maneja mucho las divisiones del espacio en las obras de arte y también se caracteriza mucho por su mínima expresión y por su delineado negro.

¿Qué es el neo-dadaísmo? El neo-dadaísmo tiene como objetivo colocar objetos y productos extraídos de la vida cotidiana y formar con ellos nuevas estructuras artísticas. Supone un abandono definitivo de la estética de los sublime de expresionistas abstractos.

El dadaísmo también maneja línea, formas geométricas y colores puras como en las otras dos, sino q la diferencia entre ellas es que el dadaísmo da como un mensaje inmediato utilizando imágenes cotidianas en el plano. Estas imágenes en este plano son mezcladas con colores puros y otras imágenes de la vida cotidiana en una forma muy abstracta.

Estos tres vanguardias el constructivismo, el neoplasticismo y el neo-dadaísmo son muy parecidos por lo que los tres se basan en líneas puras, formas geométricas y usan colores vivos. En el constructivismo se enfoca mucho en la arquitectura, la textura y la construcción. Las obras de estas vanguardias son de formas geométricas y funcionales. El neoplasticismo son obras abstractas que utilizan líneas y formas geométricas con colores puros para hacerla universal. En el neo-dadaísmo se usan líneas y formas geométricas en las obras pero también se usan imágenes de la vida cotidiana en las obras. La característica más importante de este movimiento, es la innovación con los materiales y en las formas como las mezclaban.

Según la foto copias de THE SHOCK OF THE NEW dicen la importancia estética es lo que subyace a la formula: en un época en la que los elementos literarios y representacionales se han convertido en supremos en pinturas retorna a los elementos pasticos que eran originales en la pinturas. Dicen que la nueva obra es defendida mediante las demostraciones de una conexión, por otra parte insospechada, con algún aspecto de la tradición familiar. La conexión es establecida mostrando la similitud que ha de verse entro lo nuevo y lo ya familiar. Una obra de arte no es el tipo de cosa del que pensamos que está abierto a cualquier interpretación, interesante o de otra manera. Una obra de arte es un foco en el cual, mediante su forma y organización, ciertas actitudes, creencias, sentimientos o rasgos expresivos se concentran para la exclusión de otros.

dicen es necesario separar la estética del arte porque la estética trata con opiniones sobre la percepción del mundo en general, que lo importante es, en vez de los objetos y su apariencias , es su carácter estético, el concepto de la idea que hay detrás de todo ello. Lo que vale no es lo estético sino la intención que hace de algo unas obras y las ideas de usar la pintura de cierto modo, para representar objetos en planos interrelacionados, para construir precisamente esas combinaciones de colores.


Expresionismo Abstracto, Arte óptico y Pop Cinético: Éxitos del Arte en el periodo Posguerra.
Por: Marcela Rodriguez e Isabel Cristina Salazar.

Nunca antes del Siglo XX el arte cambia tan rápidamente; procesos acelerados y radicales en los ideales estéticos impulsan una serie de corrientes en donde se abandona el arte figurativo para dar paso a un arte cargado de ideales emocionales e individualistas, respaldadas claro está, por valiosos argumentos académicos de sus principales promotores. Nuevos materiales y diferentes técnicas proveen a los artistas de estas décadas ese espacio de expresión individual, tan necesario luego de las crisis sociales y económicas que causaron las Guerras Mundiales.

Con raíces surrealistas, y abriéndose camino en la escena Estadounidense, nace el Expresionismo abstracto como una nueva propuesta en el periodo de posguerra, posicionándose como el primer éxito del arte norteamericano. Los pintores que exploraron esta corriente lograron libertad de experimentar con nuevas técnicas y generar un valor de identidad dentro de su contexto. Es decir, se cataloga como un triunfo del arte no solo por la carga estética y pictórica, sino además por el sentido social que se generó alrededor del desprendimiento del arte europeo para consolidarse como movimiento naciente en Estados Unidos. Es cuando resulta más notorio el hecho de que los procesos que influyen en el arte como actividad humana, son tanto internos como externos: “El arte es un fenómeno cultural notablemente complejo” (Tilghman p. 108).

Toda esta revolución y cambios de formato despertaron un interés tanto de jóvenes artistas como de la crítica, lo que impulsó aun más la capacidad de innovación de los artistas. Como racionalización y geometrización de este expresionismo individualista, surgen entonces dos corrientes de características similares y estrechamente relacionadas, denominadas Arte cinético y Arte óptico, cuyo elemento plástico central es el movimiento. Evocando fenómenos naturales de manera abstracta dentro de sus obras, los artistas reflejan a través del uso de altos contrastes (Arte óptico) o fuerza mecánica (Arte cinético) la intención de causar efectos visuales totalmente calculados.

Dentro de esta revolución del arte del siglo XX aparecen grandes contradicciones y enfrentamientos entre corrientes que proponían teorías diferentes, sin embargo es en este periodo gracias a los cambios en las dimensiones humanas, a la creación de nuevas escuelas y a una autonomía del pensar, que se pudo desarrollar toda esta diversidad en el arte. Se crea incluso una identidad en el arte nacional en Estados Unidos gracias a la singularidad de las producciones estéticas, que dejaron de ser exclusividad de las clases económicamente más poderosas, para llegar a incluir estudiosos y académicos de clases más humildes.

Todo este acercamiento que tuvo el arte al público, abrió las puertas a movimientos simultáneos y posteriores más populares, como el Pop Art, que llego a hacer un tributo a las masas y una crítica al consumismo. Es un legado que permite la apreciación de las producciones estéticas en diferentes periodos y generaciones de artistas en un mismo siglo, para generar una visión crítica a partir de esta diversidad.

Tilghman, Benjamin R. 2005 Pero, ¿es esto arte? P. 108.


Pop Art, Hiperrealismo y Minimalismo: Arte, Natural

Por: Catalina Sepúlveda, Eliana Patricia Tamayo, Juan Felipe Toro

Para hablar de arte, y todo lo relacionado con el mágico mundo del diseño, es importante hacer inmersión en las diferentes tendencias que han marcado la Historia de los grandes artistas, en este caso, dichas tendencias han logrado que se puedan identificar de forma individual o colectiva dependiendo de la necesidad que cada artista tenga a la hora de satisfacer sus gustos y así poderlos plasmar en los diferentes campos del arte.

Para un artista resulta atractivo crear y sobretodo pasar el limite de lo establecido y mas aun si no ha sido concluido, es por eso que tiene la opción de utilizar las diferentes tendencias como el pop art, el hiperrealismo y minimalismo, las anteriores permiten que el artista se manifieste libremente y sus obras lleven un sello diferente e irreverente.

El cuestionar el arte resulta convencional, como lo es cuestionar cualquier objeto, obra, o tendencia, lo que resulta realmente natural y no tan fácil de cuestionar, es la conexión que el artista encuentra en cada una de sus obras que salen de su propia naturaleza y del sentido que le encuentra a cada uno de los aspectos enmarcados en las tendencias las cuales resultan ir de la mano con el artista desde el punto de partida hasta el final de la misma, es por eso que cada una de las tendencias en su momento causaron controversia, y como en todo muchos apoyan, muchos se unen, y muchos mas se dedican a interrogar el por que y para que, mientras otros si encuentran el sentido que se le debe de dar a cada obra de arte sea cual sea su esencia y su fin, lo importante es siempre conectar la parte natural de lo artístico con la parte real de cada creador, para que con sus obras logre llegar al objetivo trazado.

Eco Art y Arte en Colombia

Por: Juanita Venegas y Karla Valencia

El eco-art o arte ecológico, es un movimiento revolucionario que se está implementado como concepto de cuidado de preservación de la naturaleza y los animales, esta nueva influencia intenta concientizar al espectador sobre un modo de impacto al arte y convertirse en una moda apreciativa, y critica por medio de la atracción real, y el impresionismo que refleje el mundo de hoy y lo que se puede esperar en el futuro; cambiando y modificando la concepción del arte en relación al mundo y al hombre a partir de la intervención de la materia prima natural como representación simbólica de protesta en el arte.

Como se menciona en el texto: 1…“la perplejidad frente a un tipo de arte se caracteriza por no saber cómo describir las cosas en cuestión, y esta incapacidad para describir es lo lógicamente lo mismo que no saber apreciar la obra”

De acuerdo a lo anterior, esté es uno de los motivos por el cual los representantes de eco-art no son solamente pintores y escultores, si no también poetas, músicos, etc. Que quieren realizar sus propuestas artísticas de tal modo que las personas que lo vean o escuchen entiendan completamente el mensaje que se les quiere dar, por medio de un realismo único y artístico.

Por otro lado, en Colombia los artistas, siempre quieren rescatar las costumbres y los aspectos más relevantes que logren hacer una imagen positiva del país frente a muchos puntos que quieren tener más protagonismo, como el vivir de las comunidades nativas y la representación de la vida rural en el oleo.

Se denota que los artistas muestran en sus pinturas lo que tienen alrededor, su diario vivir, la naturaleza, el viento, la flora, la fauna, la naturaleza, haciendo un expresionismo visual de fácil expansión e interpretación que critique de distintos modos la forma completa del ser y del mundo con un punto de vista en común y un intercambio de ideas que atrape la atención del hombre sobre la existencia del avance de la humanidad y sobre que puede ocasionar.

El artista colombiano, se apropia de la obra para dale valores de representación que connotan amor a la naturaleza, libertad, y la aportan a los personajes que dominan la obra, características reales y simbólicas del pueblo nativo colombiano orgullo de la obra y característica dominante de nuestra nación.